10 caractéristiques du design de la renaissance que l’on retrouve chez soi aujourd’hui

La Renaissance est une période de l’histoire qui a commencé avec la fin de la peste noire au milieu du 14e siècle et qui a duré jusqu’à la première moitié du 16e siècle. Certains y voient le début de l’ère moderne et d’autres le préambule à la modernité. Dans tous les cas, il s’agit d’un tournant historique vers la sécularisation par la promotion de la pensée scientifique et humaniste, processus qui se cristallise dans l’art et la littérature de l’époque. Mais quelles ont été les caractéristiques les plus importantes du design de la renaissance que l’on retrouve chez soi aujourd’hui?

La sécularisation et la laïcisation des connaissances

La principale caractéristique du design de la renaissance que l’on retrouve chez soi aujourd’hui réside dans la volonté de sécularisation de la société. La sécularisation est la transformation d’une société organisée sur la base d’une doctrine religieuse en une société aux intérêts diversifiés et autonomes.

La sécularisation a entraîné la sécularisation de la connaissance, c’est-à-dire la possibilité de cultiver et de promouvoir la connaissance dans les secteurs civils en dehors du domaine ecclésiastique. Cela a entraîné une plus grande liberté de recherche et de production scientifique et culturelle dans notre magasin d’ameublement.

Anthropocentrisme et humanisme

La Renaissance est définie comme une période anthropocentrique. Cela signifie que l’être humain devient le centre de référence à partir duquel l’ordre socioculturel est structuré, déplaçant la pensée théocentrique (ce qui ne doit pas être compris comme le passage d’une société croyante à une société agnostique ou athée).

L’anthropocentrisme est fondé sur l’humanisme, un courant philosophique de l’époque qui exalte les qualités de la nature humaine. Cet humanisme est issu de l’humanisme théologique de la fin du Moyen Âge, qui a permis de valoriser l’être humain comme créature préférée de Dieu, ouvrant la porte à la nouvelle perspective de la Renaissance.

Réévaluation de l’Antiquité classique

La Renaissance a trouvé son inspiration dans l’Antiquité classique, c’est-à-dire dans l’étude de la pensée et de l’art de la Grèce et de la Rome antiques. Le passé gréco-romain, en quelque sorte idéalisé, est devenu le modèle de référence. C’est pourquoi cette période s’est donné le nom de Renaissance et a eu son épicentre dans la péninsule italienne, désireuse de retrouver la splendeur de l’époque romaine.

Appréciation de la pensée rationnelle

La génération de la Renaissance a commencé à remettre en question les croyances médiévales et a cherché des explications rationnelles pour une grande variété de phénomènes. La pensée rationnelle (scientifique et philosophique) devient un outil de découverte du monde, de la nature et de l’homme.

Curiosité scientifique et technique

La curiosité scientifique était à l’ordre du jour à la Renaissance. De nombreux progrès ont été réalisés dans tous les domaines, tels que l’astronomie, l’anatomie, la biologie, la botanique, etc. C’est également une période marquée par d’importantes inventions telles que l’imprimerie, qui a permis la diffusion de la pensée au sein de l’élite lettrée.

L’étude de la nature dans les arts

La curiosité s’exprime notamment par l’étude de la nature, ce qui implique de lever le voile de mystère que le Moyen Âge avait imposé. Les arts ont été touchés par cet esprit, qui a conduit au raffinement du naturalisme, c’est-à-dire au principe d’imitation de la nature caractéristique de l’art occidental (de la Grèce jusqu’au XIXe siècle inclus). Elle a notamment porté sur les aspects suivants :

• Étude et analyse de la lumière diaphane, grâce à laquelle le clair-obscur est apparu.
• Étude et analyse de la géométrie spatiale, qui a favorisé un nouveau modèle de perspective appelé “linéaire” ou “point de fuite”.
• Étude détaillée de l’anatomie.

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L’art comme connaissance et séparation de l’artisanat

Les créateurs des arts plastiques, qui travaillaient sur la base d’une étude consciencieuse de la nature, encouragés par l’esprit de l’époque, comprenaient l’art comme une forme de connaissance. Cela a conduit à la séparation de l’art et de l’artisanat, avec pour point culminant la réapparition de la signature de l’artiste, qui était tombée en désuétude au Moyen Âge.

Le Dôme à son sommet

Avec le maître Brunelleschi et l’impact immédiat qu’il a obtenu avec la conception du toit de Santa Maria del Fiore, la fièvre de la construction de coupoles s’est répandue dans toute l’Europe et a été proclamée comme l’un des principaux éléments de l’architecture de la Renaissance.

Cela se reflète dans d’autres temples, comme dans le cas de la coupole hémisphérique du monastère de Santa Maria de Mave et de la coupole du monastère de l’Escorial, tous deux situés en Espagne.

Leurs caractéristiques peuvent également varier les unes par rapport aux autres, selon qu’elles ont été construites à l’époque de la Renaissance tardive ou de la Haute Renaissance.

Le palais comme la plus haute expression de l’architecture civile

En général, il s’agissait de bâtiments fermés à plusieurs étages séparés les uns des autres, avec de nombreuses pièces, couloirs et salles de détente.

Ils étaient caractérisés par des ailes qui communiquaient avec une cour intérieure, où étaient exposés des jardins fleuris ou des galeries avec des sculptures et/ou des peintures artistiques.

En outre, la tradition de construire des tours et des murs médiévaux pour restreindre l’accès au public s’est poursuivie.

La villa est une autre forme d’architecture civile de la Renaissance. Il s’agit de bâtiments destinés aux classes supérieures où elles peuvent se détendre et profiter de la vie à la campagne.

L’arc brisé et l’arc semi-circulaire

À la fin de la Renaissance, lorsque le style gothique se répand dans toute l’Europe, l’arc brisé ou pointu est utilisé sur les surfaces des façades et des fenêtres.

Celles-ci, généralement en pierre, donnaient un aspect sombre et lugubre, très caractéristique des cathédrales telles que Notre-Dame de Paris.

Celui-ci décline progressivement au cours du XVIe siècle pour laisser place à l’arc en plein cintre, dont la répétition symétrique et rythmique transmet une impression plus rationnelle, en accord avec le processus de la Renaissance.